Когда танец превращается в музыкально-сценическое представление, начинается балет. Эта высшая ступень хореографического творчества искусно переплетает в себе живопись, музыку, хореографию, превращаясь в слаженный спектакль, который не оставляет никого равнодушным.
Сложно определить, какой язык дал нам название аристократического искусства – либо латынь - ballo («танцую»), либо французский – balleto. И хотя человечество плясало с незапамятных времён, первое упоминание о балете относится к XV веку, когда итальянец Доменико Пьяченца, сочиняя музыку для очередного королевского бала, придумал связать несколько танцев в одно целое, написав для них финал. В 1581 году в Париже Бальтазарини де Бельджозо, «главный интендант музыки», соединил в своём спектакле «Комедийный балет королевы» хореографию и музыкальное сопровождение.
Основоположником классического балета был Людовик XIV. Именно он отделил от блистательных балов балет в отдельную форму представления, и сам дебютировал в «Балете Кассандры» в 1651 году, будучи тринадцатилетним юношей. Через пару лет появился новый спектакль – «Королевский балет ночи», в котором он сверкал в роли Восходящего солнца. Отсюда и пошло его прозвище – Король-солнце. Его таланту и востребованности могут позавидовать современные танцовщики: по 5-6 ролей в каждом представлении. Более того, выступал он не только перед льстивыми придворными, но и в настоящих театрах перед многотысячной публикой. В 1661 году в Париже по его указу открылась Королевская академия танца, но все же большее значение тогда отдавалось костюмам и музыке. Жан Жорж Новер, балетмейстер из Франции, стал реформатором, придав жанру уже привычные нам хореографические очертания. Стоит отметить, что до 1681 года в балете принимали участие только мужчины. Первой балериной стала мадмуазель Ла Фонтен, легендарная танцовщица.
Развитие балета в России
Многие страны адаптировали новый вид сценического искусства под свои традиции и культуру. В XVIII в прорубленное Петром I окно в Европу балет влетел в Российскую империю. Многие исследователи относят скоморохов и шутов при дворе Алексея Михайловича к первым героям балетных постановок, но это в корне неверно – в допетровской России не было аналогов балета. Менуэты, контрдансы и прочие непонятные тогда русской публике термины появились при его сыне, незамедлительно издавшем указ обучать молодёжь танцам. Колыбелью русского балета стал Сухопутный шляхетный корпус, основанный Анной Иоанновной в 1731 году. Будущие военные после окончания должны были блистать в высшем обществе, поэтому хореографическому искусству уделялось особое внимание. Основоположником этого жанра в России справедливо считают Жана Батиста Ланде, танцмейстера корпуса. В 1738 году ему позволили открыть «Танцевальную школу Её Императорского Величества» (ныне Академия русского балета А. Я. Вагановой). Любили балет и Елизавета Петровна, и Екатерина II, в эпоху которой получили развитие труппы при помещичьих дворах. Петербургский балет XIX практически полностью сочинён хореографами из Франции – от Шарля Дидло до не менее гениального Мариуса Петипа. Императорская благосклонность к этому виду искусства росла с каждым спектаклем. В творчестве присутствовала единая музыкальная концепция: оркестр создавал определённую атмосферу, предоставляя публике улавливать эмоции и чувства. В 1877 году состоялась постановка легендарного «Лебединого озера».
В XX веке кропотливо созданный театр француза Петипа начал постепенно терять позиции: требовалось что-то новое, модернистское. Тогда до Петербурга докатилась волна экспериментов Дягилева, чьи балерины мало чем отвечали эстетике классического танца, – примы танцевали небрежно, но не без артистической гениальности, как Анна Павлова, и не без определённого стиля, как Тамара Карсавина. Ну и как же не упомянуть скандально известную Матильду Кшесинскую – простой народ не бывал в театре, но её светской жизнью интересовались все. После революции многие труппы были вынуждены эмигрировать, поэтому русский балет мог и не сохраниться до нашего времени, если бы не искусствовед Анатолий Васильевич Луначарский – благодаря ему большевики разрешали «яркий и возвышенный балет». Во второй половине XX века появится настоящий гений с феноменальным прыжком и гибкой спиной – Майя Плисецкая – выдающаяся балерина советского времени, навечно вписавшая своё имя в мировую историю балета .
Современный балет не забывает о классической вековой школе и одновременно борется со стандартами. Спектакли становятся всё смелее и эпатажнее, а мода на оригинальное прочтение традиционных постановок не проходит. Отечественные балетмейстеры продолжают восхищать публику своим искусством, в очередной раз подтверждая, что русский балет неспроста считают одним из лучших в мире. А билеты на балет в , несмотря на немалую стоимость, раскупаются на месяцы вперёд.
Калужская область, Боровский район, деревня Петрово
Этнографический парк-музей – уникальное пространство диалога культур, территория путешествий, открытий, вдохновения, образования и любви.
Здесь на площади в 140 га расположены этнодворы разных стран и уникальная Улица Мира. Приобщитесь к культуре разных народов, ощутите особенную атмосферу перекрёстка миров, отдохните на природе, насладитесь нашими лучшими образовательными, культурными и развлекательными программами!
В нашем парке-музее можно примерить национальные костюмы, освоить редкие ремёсла, купить сувениры, сделать своими руками полезные вещицы, попробовать блюда национальной кухни разных стран, посетить парк аттракционов и многое другое. Обойти за день все интересные уголки невозможно, поэтому к услугам посетителей уникальные этнические отели – избы, мазанки, юрты, чумы, гималайский и непальский дома и даже индийский дворец.
В какой стране появился и был показан первый балет?
- Dance is prominent throughout history. Traditions of narrative dance evolved in China, India, Indonesia and Ancient Greece. Theatrical dance was well-established in the wider arena of ancient Greek theatre. When the Roman Empire conquered Greece, it assimilated Greek dance and theatre with their art and culture.1 While dance continued to be important throughout the Middle Ages, in spite of occasional suppression by the Church, the art of ballet did not emerge until the late 1400s in Italy. Italy began the ballet tradition, but it was the French that enabled it to blossom. Incorporating aspects of Italian ballet, French ballet gained prominence and influenced the dance genre internationally. To this day, the majority of ballet vocabulary originates from French.
А вот из энциклапедии…. Говорится что традиции балета пришли к нам из Китая, Индии и Индонезии… Древней Греции ну и так далее…. Традиции балета развились в Италии в конце 15 века (1400 …)А Французы его развили…. так что явно не 1581 год
Искусство балета зародилось в Италии более 500 лет назад. Богатейшая народная танцевальная культура, сохранившаяся культура античной пантомимы, бальные танцы при дворе, карнавальные церковные шествия, теоретические трактаты о танце, танцевальные вставки между актами комедии дель арте эти и другие виды танцевального искусства заложили основу будущего мирового балета. Итальянские композиторы, танцмейстеры и художники постоянно приглашались во Францию, где постепенно сформировался жанр балетного спектакля, который в XVII веке вернулся в Италию. В XVIII веке сложился итальянский стиль исполнения, отличавшийся виртуозностью и изысканными манерами. Возникали целые артистические семьи, которые давали миру великих хореографов и танцовщиков: Вестрис, Тальони и другие. Из Италии, в свою очередь, балет начал распространяться по всей Европе, а затем оказал влияние и на американский балет. Например, на рубеже XVIII и XIX веков Сальваторе Вигано создал жанр хореодрамы, ставший таким популярным во все следующие века. Итальянцы играли главную роль в период романтической эры в мировом балете XIX века. Легендарные балерины той эпохи Мария Тальони и Карлотта Гризи были итальянками. Итальянские хореографы и артисты на протяжении XVIII — XIX веков гастролировали и работали в России, способствуя формированию русского балетного театра. В конце XIX начале XX века Энрико Чикетти обучал танцу многих знаменитых русских танцовщиков. Постепенно балет в Италии уступил свое ведущее положение французскому, а затем русскому балету. Но великие мастера итальянского искусства танца составляют славную историю мирового балета за прошедшие века.
- История балета
Балет искусство довольно молодое. Ему немногим более четырехсот лет, хотя танец украшает жизнь человека с древнейших времен. Родился балет в Северной Италии в эпоху Возрождения. Итальянские князья любили пышные дворцовые празднества, в которых танец занимал важное место. Сельские пляски не подходили придворным дамам и кавалерам. Их одеяния, как и залы, где они танцевали, не допускали неорганизованного движения. Специальные учителя танцмейстеры старались навести порядок в придворных танцах. Они заранее репетировали с дворянами отдельные фигуры и движения танца и руководили группами танцующих. Постепенно танец становился все более театральным.
Термин балет появился в конце XVI века (от итальянского balletto танцевать). Но означал он тогда не спектакль, а лишь танцевальный эпизод, передающий определенное настроение. Такие балеты состояли обычно из мало связанных между собой выходов персонажей чаще всего героев греческих мифов. После таких выходов начинался общий танец большой балет.
http://gazeta.aif.ru/online/kids/127/08_01Постепенно балет отделился от оперы, став самостоятельным искусством. Великим реформатором танца стал французский балетмейстер Жан Жорж Новер (1727 1810). Новер призывал создать действенный, т. е. содержательный и выразительный, танец, в котором события, чувства и мысли героев раскрывались бы в пантомиме и танцевальных движениях. От балетмейстеров Новер требовал кроме поэтического дара и богатого воображения еще и широкой образованности. Музыку он называл душой балета. Взгляды Новера оказали огромное влияние на развитие хореографии.
Следуя заветам Новера, балетмейстер Жан Доберваль (1742 1806) поставил балет Тщетная предосторожность (1789), в котором передавались чувства простых людей. Предшественником Новера в становлении сюжетного балета был австрийский балетмейстер Франц Хильфердинг (1710 1768), много сделавший в области сценического танца в русском балетном театре.
Первой сделала танец на пуантах средством создания образа Мария Тальони (1804 1884), с чьим именем связан балет Сильфида (музыка Ж. Шнейцгоффера).
http://ickust.claw.ru/shared/icks/3350.htmКлассический балет
Балет классический впервые появился в Японии в 1912 г., когда туда приехал итальянский балетмейстер Джованни Роси, который в течение трех лет преподавал танец в театре «Тэйкоку гэкидз».
В 1922 г. в Японии гастролировала русская балерина Анна Павлова. С этого времени в стране возник огромный интерес к классической хореографии и началась профессиональная подготовка собственных танцовщиц и танцовщиков.
С 1960-го по 1964 г. в Токио функционировала Балетная школа им. Чайковского, в которой преподавали советские педагоги и балетмейстеры. На ее базе была создана труппа Токио барэдан.
ссылка появится после проверки модераторомБалет, то есть танцевально-театральная постановка без слов, впервые был показан в Лондоне. Произошло это на сцене Королевского театра 2 марта 1717 года. Первый в истории немой балет назывался Любовь Марса и Венеры и принадлежал перу композитора представителя школы английского барокко Джона Виверса. До этого знаменательного дня танцевальные спектакли, как правило, сопровождались пением или же мелодекламацией. Виверс первым очистил пластическое искусство танца от чуждых ему звукоизвлечений.
http://www.rg-rb.de/chk/2003/85/15.shtml - БАЛЕТ (от франц. balleto и лат. ballo танцую) , имеет два значения: 1. Вид театрально-музыкального искусства, в котором художественный образ создается с помощью хореографии, танцевально-пластического языка. 2. Балетный спектакль
Возникновение балета. Балет, высшая ступень хореографии (от греч. choreia пляска и grapho пишу) , в котором танцевальное искусство поднимается до уровня музыкально-сценического представления, возник как придворно-аристократическое искусство гораздо позже танца, в 1516 вв. Термин балет появился в ренессансной Италии в 16 в. и обозначал не спектакль, а танцевальный эпизод. Балет синтетическое искусство, в котором танец, главное выразительное средство балета, тесно связан с музыкой, с драматургической основой либретто, со сценографией, с работой костюмера, художника-осветителя и т. д. Балет многообразен: сюжетный классический повествовательный многоактный балет, драмбалет; бессюжетный балет-симфония, балет-настроение, миниатюра. По жанру балет может быть комическим, героическим, фольклорным. 20 в. принес в балет новые формы: джаз-балет, модерн-балет.
Особенно интенсивно процесс театрализации танца происходил в Италии, где уже в 1415 вв. появились первые танцмейстеры и на основе народного танца сформировался танец бальный, придворный. В Испании сюжетную танцевальную сценку называли мореской (мавританская пляска) , в Англии маской. В середине 16 начале 17 вв. возник фигурный, изобразительный танец, организованный по типу составления геометрических фигур (балло-фигурато) . Известен Балет турчанок, исполненный в 1615 при дворе герцогов Медичи во Флоренции.
Первый балетный спектакль, объединивший музыку, слово, танец и пантомиму, Цирцея, или комедийный балет королевы, был поставлен при дворе Екатерины Медичи (Париж) итальянским балетмейстером Бальтазарини ди Бельджойозо в 1581. С тех пор во Франции стал развиваться жанр придворного балета (маскарады, пасторали, танцевальные дивертисменты и интермедии) .
Танец стал превращаться в балет, когда его начали исполнять по определенным правилам. Впервые их сформулировал балетмейстер Пьер Бошан (16371705), работавший с Люлли и возглавивший в 1661 французскую Академию танца (будущий театр Парижской оперы) . Он записал каноны благородной манеры танца, в основу которой положил принцип выворотности ног (en dehors). Такое положение давало человеческому телу возможность свободно двигаться в разные стороны.
Все движения танцовщика он разделил на группы: приседания (плие) , прыжки (заноски, антраша, кабриоли, жете, способность зависать в прыжке элевация) , вращения (пируэты, фуэте) , положения корпуса (аттитюды, арабески) . Выполнение этих движений осуществлялось на основе пяти позиций ног и трех позиций рук (port de bras). Все па классического танца являются производными от этих позиций ног и рук. Так началось формирование балета, развившегося к 18 в. из интермедий и дивертисментов в самостоятельное искусство.
В Парижской опере 17 в. исполнялся особый жанр театрально-музыкального зрелища оперы-балеты композиторов Ж. Б. Люлли, А. Кампра, Ж. Ф. Рамо. Первоначально в балетную труппу входили только мужчины. Французские танцовщики славились грацией и изяществом (благородностью) манеры исполнения. Итальянские танцовщики принесли на сцену Парижской оперы новую манеру танца виртуозный стиль, технически сложную, прыжковую манеру танца. Одним из основоположников мужского сценического танца стал Луи Дюпре (16971774). Он первым объединил в танце обе манеры исполнения. - Термин балет появился в конце XVI века (от итальянского balletto танцевать) . Но означал он тогда не спектакль, а лишь танцевальный эпизод, передающий определенное настроение. Такие балеты состояли обычно из мало связанных между собой выходов персонажей чаще всего героев греческих мифов. После таких выходов начинался общий танец большой балет.
Первым балетным спектаклем-представлением стал Комедийный балет Королевы, поставленный в 1581 году во Франции итальянским балетмейстером Бальтазарини ди Бельджойозо. Именно во Франции происходило дальнейшее развитие балета. Вначале это были балеты-маскарады, а затем помпезные мелодраматические балеты на рыцарские и фантастические сюжеты, где танцевальные эпизоды сменялись вокальными ариями и декламацией стихов. Не удивляйтесь, в то время балет еще не был только танцевальным спектаклем.
Публикации раздела Театры
Знаменитые русские балеты. Топ-5
К лассический балет - удивительный вид искусства, родившийся в Италии в эпоху зрелого Возрождения, «переехавший» во Францию, где заслуга его развития, включая основание Академии танца и кодификацию многих движений, принадлежала королю Людовику XIV. Франция экспортировала искусство театрального танца во все европейские страны, включая Россию. В середине XIX века столицей европейского балета был уже не Париж, подаривший миру шедевры романтизма «Сильфиду» и «Жизель», а Петербург. Именно в Северной столице в течение почти 60 лет работал великий хореограф Мариус Петипа, создатель системы классического танца и автор шедевров, которые до сих пор не сходят со сцены. После Октябрьской революции балет хотели было «сбросить с корабля современности», но его удалось отстоять. Советское время ознаменовалось созданием немалого количества шедевров. Представляем пять отечественных топ-балетов - в хронологическом порядке.
«Дон Кихот»
Сцена из балета «Дон-Кихот». Одна из первых постановок Мариуса Петипа
Премьера балета Л.Ф. Минкуса «Дон Кихот» в Большом театре. 1869 год. Из альбома архитектора Альберта Кавоса
Сцены из балета «Дон-Кихот». Китри - Любовь Рославлева (в центре). Постановка А.А. Горского. Москва, Большой театр. 1900 год
Музыка Л. Минкуса, либретто М. Петипа . Первая постановка: Москва, Большой театр , 1869, хореография М. Петипа. Последующие постановки: Санкт-Петербург, Мариинский театр , 1871, хореография М. Петипа; Москва, Большой театр, 1900, Санкт-Петербург, Мариинский театр, 1902, Москва, Большой театр, 1906, все - хореография А. Горского .
Балет «Дон Кихот» - полное жизни и ликования театральное представление, вечный праздник танца, которое никогда не утомляет взрослых и на которое родители с удовольствием ведут детей. Хотя он и называется именем героя знаменитого романа Сервантеса , но отталкивается от одного его эпизода, «Свадьбы Китерии и Базилио», и рассказывает о приключениях молодых героев, любовь которых в конце концов побеждает, невзирая на противодействие упрямого папаши героини, захотевшего выдать ее замуж за богатого Гамаша.
Так что Дон Кихот тут почти ни при чем. Весь спектакль высоченный худой артист в сопровождении низенького пузатенького коллеги, изображающего Санчо Пансу, расхаживает по сцене, порою мешая смотреть сочиненные Петипа и Горским прекрасные танцы. Балет, в сущности, является концертом в костюмах, праздником классического и характерного танца, где всем артистам любой балетной труппы находится дело.
Первая постановка балета состоялась в Москве, куда Петипа время от времени наезжал, дабы поднять уровень местной труппы, которую нельзя было сравнить с блистательной труппой Мариинского театра. Но в Москве дышалось посвободнее, так что балетмейстер, по существу, поставил балет-воспоминание о прекрасных годах молодости, проведенных в солнечной стране.
Балет имел успех, и два года спустя Петипа перенес его в Петербург, что вызвало необходимость переделок. Там характерными танцами интересовались гораздо меньше, чем чистой классикой. Петипа расширил «Дон Кихота» до пяти актов, сочинил «белый акт», так называемый «Сон Дон Кихота», настоящий рай для любителей балерин в пачках, обладательниц хорошеньких ножек. Количество амурчиков в «Сне» достигало пятидесяти двух...
До нас «Дон Кихот» дошел в переделке московского хореографа Александра Горского, который увлекался идеями Константина Станиславского и желал сделать старый балет более логичным и драматически убедительным. Горский разрушил симметричные композиции Петипа, отменил пачки в сцене «Сна» и настаивал на использовании смуглого грима у танцовщиц, изображающих испанок. Петипа обозвал его «свиньей», но уже в первой переделке Горского балет прошел на сцене Большого театра 225 раз.
«Лебединое Озеро»
Декорации к первому преставлению. Большой театр. Москва. 1877 год
Сцена из балета «Лебединое озеро» П.И. Чайковского (балетмейстеры Мариус Петипа и Лев Иванов). 1895 год
Музыка П. Чайковского , либретто В. Бегичева и В. Гельцера. Первая постановка: Москва, Большой театр, 1877, хореография В. Рейзингера. Последующая постановка: Санкт-Петербург, Мариинский театр, 1895, хореография М. Петипа, Л. Иванова .
Всеми любимый балет, классическая версия которого была поставлена в 1895 году, на самом деле родился восемнадцатью годами ранее в московском Большом театре. Партитура Чайковского, мировая слава которого была еще впереди, была своеобразным собранием «песен без слов» и казалась слишком сложной для того времени. Балет прошел около 40 раз и канул в Лету.
После смерти Чайковского «Лебединое озеро» поставили в Мариинском театре, и от этой версии, ставшей классической, отталкивались все последующие постановки балета. Действию были приданы большая ясность и логичность: балет рассказывал о судьбе прекрасной принцессы Одетты, волею злого гения Ротбарта обращенной в лебедя, о том, как Ротбарт обманул полюбившего ее принца Зигфрида, прибегнув к чарам своей дочери Одиллии, и о смерти героев. Партитура Чайковского была сокращена приблизительно на треть дирижером Рикардо Дриго и переоркестрована. Петипа создал хореографию первого и третьего действий, Лев Иванов - второго и четвертого. Это разделение идеальным образом отвечало призванию обоих гениальных хореографов, второму из которых пришлось жить и умереть в тени первого. Петипа - отец классического балета, создатель безупречно гармоничных композиций и певец женщины-феи, женщины-игрушки. Иванов - балетмейстер-новатор, необычайно чутко чувствующий музыку. В роли Одетты–Одиллии выступила Пьерина Леньяни, «королева миланских балерин», она же первая Раймонда и изобретательница 32 фуэте, самого трудного вида вращения на пуантах.
Можно ничего не знать о балете, но «Лебединое озеро» известно всем. В последние годы существования Советского Союза, когда престарелые лидеры довольно часто сменяли один другого, проникновенная мелодия «белого» дуэта главных героев балета и всплески рук-крыльев с экрана телевизора возвещали о печальном событии. Японцы так любят «Лебединое озеро», что готовы смотреть его утром и вечером, в исполнении любой труппы. Ни одна гастрольная труппа, которых в России и особенно в Москве множество, не обходится без «Лебединого».
«Щелкунчик»
Сцена из балета «Щелкунчик». Первая постановка. Марианна - Лидия Рубцова, Клара - Станислава Белинская, Фриц - Василий Стуколкин. Мариинский театр. 1892 год
Сцена из балета «Щелкунчик». Первая постановка. Мариинский театр. 1892 год
Музыка П. Чайковского, либретто М. Петипа. Первая постановка: Санкт-Петербург, Мариинский театр, 1892, хореография Л. Иванова .
По книгам и сайтам до сих пор кочует ошибочная информация о том, что «Щелкунчик» поставлен отцом классического балета Мариусом Петипа. На самом деле Петипа сочинил лишь сценарий, а первую постановку балета осуществил его подчиненный, Лев Иванов. На долю Иванова выпала непосильная задача: сценарий, созданный в стиле модного тогда балета-феерии с непременным участием итальянской гастролерши, находился в очевидном противоречии с музыкой Чайковского, которая хоть и была написана в строгом соответствии с указаниями Петипа, но отличалась большим чувством, драматической насыщенностью и сложным симфоническим развитием. Кроме того, героиней балета была девочка-подросток, а балерине-звезде было уготовано лишь финальное па-де-де (дуэт с партнером, состоящий из адажио - медленной части, вариаций - сольных танцев и коды (виртуозного финала)). Первая постановка «Щелкунчика», где первый - по преимуществу пантомимный акт, резко отличался от второго - дивертисментного, не имела большого успеха, критики отмечали лишь Вальс снежных хлопьев (в нем участвовали 64 танцовщицы) и Па-де-де Феи Драже и Принца Коклюша, источником вдохновения для которого послужило Иванову Адажио с розой из «Спящей красавицы», где Аврора танцует с четырьмя кавалерами.
Зато в ХХ веке, который смог проникнуть в глубины музыки Чайковского, «Щелкунчику» было уготовано воистину фантастическое будущее. Не счесть постановок балета в Советском Союзе, странах Европы и США. На российских просторах особенно популярны постановки Василия Вайнонена в ленинградском Государственном академическом театре оперы и балета (ныне Мариинский театр в Санкт-Петербурге) и Юрия Григоровича в московском Большом театре.
«Ромео и Джульетта»
Балет «Ромео и Джульетта». Джульетта – Галина Уланова, Ромео – Константин Сергеев. 1939 год
Миссис Патрик Кемпбепл в роли Джульетты в трагедии Шекспира «Ромео и Джульетта». 1895 год
Финал балета «Ромео и Джульетта». 1940 год
Музыка С. Прокофьева , либретто С. Радлова, А. Пиотровского, Л. Лавровского. Первая постановка: Брно, Театр оперы и балета, 1938, хореография В. Псоты. Последующая постановка: Ленинград, Государственный академический театр оперы и балета им. С. Кирова, 1940, хореография Л. Лавровского .
Если шекспировская фраза в известном русском переводе гласит «Нет повести печальнее на свете, чем повесть о Ромео и Джульетте» , то о написанном на этот сюжет балете великого Сергея Прокофьева говорили: «Нет повести печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете» . Воистину изумительная по красоте, богатству красок и выразительности партитура «Ромео и Джульетты» в момент ее появления показалась слишком сложной и неподходящей для балета. Артисты балета попросту отказывались под нее танцевать.
Прокофьев написал партитуру в 1934-м, и первоначально она предназначалась не театру, а прославленному Ленинградскому академическому хореографическому училищу для празднования его 200-летия. Проект не был осуществлен в связи с убийством в 1934 году в Ленинграде Сергея Кирова, в ведущем музыкальном театре второй столицы грянули перемены. Не осуществился и план постановки «Ромео и Джульетты» в московском Большом. В 1938 году премьеру показал театр в Брно, и только два года спустя балет Прокофьева наконец был поставлен на родине автора, в театре тогда уже имени Кирова.
Балетмейстер Леонид Лавровский в рамках весьма приветствовавшегося советской властью жанра «драмбалета» (формы хореографической драмы, характерной для балета 1930-50-х годов) создал впечатляющее, волнующее зрелище с тщательно вылепленными массовыми сценами и тонко очерченными психологическими характеристиками персонажей. В его распоряжении была Галина Уланова , утонченнейшая балерина-актриса, которая так и осталась непревзойденной в роли Джульетты.
Партитуру Прокофьева быстро оценили западные хореографы. Первые версии балета появились уже в 40-х годах XX века. Их создателями были Биргит Кулберг (Стокгольм, 1944) и Маргарита Фроман (Загреб, 1949). Известные постановки «Ромео и Джульетты» принадлежат Фредерику Аштону (Копенгаген, 1955), Джону Кранко (Милан, 1958), Кеннету МакМиллану (Лондон, 1965), Джону Ноймайеру (Франкфурт, 1971, Гамбург, 1973).И. Моисеева , 1958, хореография Ю. Григоровича, 1968 .
Без «Спартака» понятие «советский балет» немыслимо. Это настоящий хит, символ эпохи. Советский период разрабатывал иные темы и образы, глубоко отличные от традиционного классического балета, унаследованного от Мариуса Петипа и Императорских театров Москвы и Петербурга. Волшебные сказки со счастливым концом были сданы в архив, и на смену им пришли героические сюжеты.
Уже в 1941 году один из ведущих советских композиторов Арам Хачатурян говорил о намерении написать музыку к монументальному, героическому спектаклю, который должен быть поставлен на сцене Большого театра. Темой для него был выбран эпизод из древнеримской истории, восстание рабов под руководством Спартака. Хачатурян создал красочную партитуру, использующую армянские, грузинские, русские мотивы и насыщенную прекрасными мелодиями и огненными ритмами. Постановку должен был осуществить Игорь Моисеев.
Понадобилось много лет, чтобы его произведение вышло на суд зрителей, и появилось оно не в Большом театре, а в Театре им. Кирова. Хореограф Леонид Якобсон создал потрясающий новаторский спектакль, отказавшись от традиционных атрибутов классического балета, в том числе от танца на пуантах, использовав свободную пластику и обув балерин в сандалии.
Но хитом и символом эпохи балет «Спартак» стал в руках хореографа Юрия Григоровича в 1968 году. Григорович поразил зрителя совершенно выстроенной драматургией, тонкой прорисовкой характеров главных героев, искусной постановкой массовых сцен, чистотой и красотой лирических адажио. Он назвал свое произведение «спектаклем для четырех солистов с кордебалетом» (кордебалет - артисты, занятые в массовых танцевальных эпизодах). В роли Спартака выступил Владимир Васильев, Красса - Марис Лиепа , Фригии - Екатерина Максимова и Эгины - Нина Тимофеева. Кардебалет был по преимуществу мужской, что делает балет «Спартак» единственным в своем роде.
Помимо известных прочтений «Спартака» Якобсоном и Григоровичем, существует еще около 20 постановок балета. Среди них версия Иржи Блазека для Пражского балета, Ласло Сереги для Будапештского балета (1968), Юри Вамоша для Арена ди Верона (1999), Ренато Дзанеллы для балета Венской государственной оперы (2002), Натальи Касаткиной и Владимира Василёва для руководимого ими Государственного академического театра классического балета в Москве (2002).
Всё началось более пятисот лет назад в Северной Италии. Это была эпоха Возрождения, отличительными чертами которой были светский характер культуры, гуманизм и антропоцентризм, то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности.
В эпоху Возрождения итальянские князья устраивали дворцовые празднества, в которых танец занимал важное место. Однако пышные одеяния, как и залы не допускали неорганизованного движения. Поэтому существовали специальные учителя – танцмейстеры, которые репетировали с дворянами движения и отдельные фигуры, чтобы потом руководить танцующими. Постепенно танец становился все более театральным, а само слово «балет» обозначало композиции, передававшие не сюжет, а свойство или состояние характера.
К концу XV века такого рода балет входил в зрелища, созданные известными поэтами и художниками. В 1496 году Леонардо да Винчи рисовал костюмы танцовщиков и изобретал сценические эффекты для праздника миланского герцога.
В 1494 году, когда король Франции Карл VIII вошел в Италию, претендуя на Неаполитанский престол, его придворных впечатлило мастерство итальянских учителей танцев. В результате танцмейстеров стали приглашать ко французскому двору. Тогда же возникла необходимость в нотации – системе записи танца. Автором первой из известных систем стал Туан Арбо. Он записывал танцевальные па музыкальными знаками.
Развитие продолжилось во Франции…
Французская королева Екатерина Медичи для постановки придворных представлений пригласила итальянца Бальдасарино ди Бельджойозо (во Франции его называли Бальтазар де Божуайё). Балет тогда утвердился как жанр, где драма, «поющийся рассказ» (речитатив) и танец образовали непрерывное действие. Первым в этом жанре и наиболее известным считается «Цирцея, или Комедийный балет королевы» , поставленный в 1581 году. Сюжет был позаимствован в античной мифологии. Танцы исполняли в пышных костюмах и масках знатные дамы и вельможи.
В XVI веке по мере развития инструментальной музыки усложнялась и техника танца. Во Франции XVII века стали появляться балеты-маскарады, а затем помпезные мелодраматические балеты на рыцарские и фантастические сюжеты, где танцевальные эпизоды перемежались с вокальными ариями и декламацией стихов - «Балет об Альцине» (1610), «Триумф Минервы» (1615), «Освобождение Ринальдо» (1617). Такие балеты состояли из разных номеров, что сегодня напоминает дивертисмент, и впоследствие станут одной из важных структурных форм будущего балета.
Позже король Франции Людовик XIII, увлекающийся танцами и получивший прекрасное музыкальное образование, был автором балетного спектакля «Мерлезонский балет» (15 марта 1635 год). Сюжетом стали приключения во время охоты на дроздов – одного из любимых развлечений короля. Балет состоял из 16 актов. Его величество не только сочинил либретто, музыку, хореографию, набросал эскизы декораций и костюмов, но и исполнил две роли: торговки приманками и крестьянина.
Первые шаги молодого искусства. Великий Пьер Бошан
Спектакли придворного балета достигли особого великолепия во времена короля Людовика XIV. Потому что только тогда танец начали исполнять по определенным правилам. Впервые их сформулировал французский балетмейстер Пьер Бошан (1637–1705).
Свое знаменитое прозвище «король-солнце» Людовик XIV получил после исполнения роли Солнца в «Балете ночи». Он любил танцевать и участвовать в спектаклях. В 1661 году он открыл Королевскую академию музыки и танца, куда были приглашены 13 ведущих танцмейстеров. Их обязанностью стало сохранение танцевальных традиций.
Директор академии, Пьер Бошан, записал каноны благородной манеры танца, основой которой была выворотность ног (en dehors). Такое положение давало человеческому телу возможность свободно двигаться в разные стороны. Все движения он разделил на группы: приседания (плие), прыжки (заноски, антраша, кабриоли, жете, способность зависать в прыжке – элевация), вращения (пируэты, фуэте), положения корпуса (аттитюды, арабески). Выполнение этих движений осуществлялось на основе пяти позиций ног и трех позиций рук (port de bras). Все па классического танца стали производными от этих позиций ног и рук.
Его классификация жива по сей день, а французская терминология стала общей для артистов всего мира, как латынь – для медиков.
Бошан внес неоценимый вклад в классический балет еще и тем, что разделил танцы на три основных вида: серьезный, полухарактерный и комический. Серьезный танец (прообраз современного классического) требовал академической строгости исполнения, внешней красоты, изящества – даже на грани жеманства. Это был «благородный» танец, который использовался для исполнения роли царя, бога, мифологического героя. Полухарактерный – объединял танцы пасторальные, пейзанские и фантастические, которые были для изображения силы природы или персонифицированных человеческих страстей. Пляски фурий, нимф и сатиров также подчинялись его законам. Наконец, комический танец отличался виртуозностью, допускал утрированные движения и импровизацию. Он был нужен для гротесковых и экзотических танцев, встречавшихся в комедиях театра классицизма.
Так началось формирование балета, который к XVIII веку из интермедий и дивертисментов развился в самостоятельное искусство.
Первый театр. Первая труппа
Завоёвывая всё большую популярность, балету становилось тесно во дворцовых залах. Под руководством Бошана создается Парижская опера, где он был балетмейстером, но спектакли почти не отличались от прежних представлений. В них участвовали те же придворные, которые исполняли медленные менуэты, гавоты и паваны. Тяжелые платья, туфли на высоких каблуках и маски не давали женщинам выполнять сложные движения. Тогда Пьером Бошаном была сформирована балетная труппа из одних мужчин-танцовщиков. Их танцы отличались большей грациозностью и изяществом. Женщины на сцене Парижской оперы появились лишь в 1681 году. Большие группы танцовщиков начали синхронно исполнять сложные движения и аккомпанировали солистам; сольный танец содержательно передавал возвышенность характеров, силу эмоций; парный танец складывался в форму па-де-де. Высокоусловный, тяготеющий к виртуозности танец зависел от музыки и добивался равных с ней прав в практике и теории.
Французскую хореографию значительно обогатили драматург Мольер и композитор Ж. Б. Люлли, который сначала сотрудничал с Мольером как балетмейстер и танцовщик в комедиях-балетах "Брак поневоле" (1664), "Жорж Данден" (1668), "Мещанин во дворянстве" (1670). Став композитором, Люлли создал жанр музыкальной трагедии, где сказалась эстетика классицизма: монументальность образов, ясная логика развития, строгость вкуса, чеканность форм. Действие лирических трагедий подкреплялось пластически-декоративными шествиями, пантомимами, танцами.
Реформа балетного театра вызвала подъём исполнительского мастерства - появились танцовщики Л. Пекур, Ж. Баллон. Первой профессиональной танцовщицей стала мадемуазель Лафонтен, выступив в опере-балете Люлли «Триумф любви». Позже она была известна как «королева танца».
Серьезные танцы исполнялись в широкой юбке, которая держалась на камышовых обручах. Из-под неё виднелись носки туфель. Мужчины надевали парчовые кирасы и короткие юбки на камышовых каркасах, которые назывались «бочонки». Обувь у всех была на высоком каблуке. Кроме того, они закрывали лицо круглыми масками разных цветов, в зависимости от характера персонажа.
В полухарактерных балетах костюмы были облегченные, зато добавлялись атрибуты, характеризующие танец, – серпы, корзиночки, лопатки, леопардовые шкуры и другие. Костюм для комических танцев не был так строго регламентирован – постановщик доверял фантазии художника.
Тогда же зародилась целая система условных обозначений. Если артист, к примеру, проводил по своему лбу ребром ладони - это подразумевало корону, т.е. короля; крестообразно сложенные руки на груди - «умер»; указал на безымянный палец руки – «хочу жениться» или «женат»; изображение руками волнообразных движений - «приплыл на корабле».
Балет очаровывает Европу
Одновременно с развитием балета во всех крупных городах стали появляться свои театры, балетмейстеры и исполнители. Так, балет вернулся на родину - в Италию, где к XVIII веку сложился свой стиль исполнения, отличавшийся от французской манерности технической виртуозностью и большей непосредственностью. Борьба французской и итальянской школ в классическом балете будет продолжаться не один век.
В XVII веке балет появился в Нидерландах. В Англии из-за буржуазной революции и запрета зрелищ балетный театр развился немного позже - только при реставрации монархии. В 1722 году был создан первый придворный театр в Дании, где профессиональные танцовщики участвовали в комедиях-балетах Мольера. И лишь к концу XVIII века балет Дании обрёл самостоятельность. В XVIII веке балет также существовал в Германии, Швеции и Голландии. Формы исполнения, которые были заимствованы у итальянцев и французов, обогащались национальным колоритом.
Балет в Россию пришел позже, чем в другие европейские страны, но именно здесь его застала эпоха расцвета, а это история уже других веков, которая заслуживает отдельной главы.
Submitted by copypaster on ср, 15/08/2007 - 01:11
Балет - искусство довольно молодое. Ему немногим более четырехсот лет, хотя танец украшает жизнь человека с древнейших времен.
Родился балет в Северной Италии в эпоху Возрождения. Итальянские князья любили пышные дворцовые празднества, в которых танец занимал важное место. Сельские пляски не подходили придворным дамам и кавалерам. Их одеяния, как и залы, где они танцевали, не допускали неорганизованного движения. Специальные учителя - танцмейстеры - старались навести порядок в придворных танцах. Они заранее репетировали с дворянами отдельные фигуры и движения танца и руководили группами танцующих. Постепенно танец становился все более театральным.Термин «балет» появился в конце XVI века (от итальянского balletto - танцевать). Но означал он тогда не спектакль, а лишь танцевальный эпизод, передающий определенное настроение. Такие «балеты» состояли обычно из мало связанных между собой «выходов» персонажей - чаще всего героев греческих мифов. После таких «выходов» начинался общий танец - «большой балет».
Первым балетным спектаклем-представлением стал «Комедийный балет Королевы», поставленный в 1581 году во Франции итальянским балетмейстером Бальтазарини ди Бельджойозо. Именно во Франции происходило дальнейшее развитие балета. Вначале это были балеты-маскарады, а затем помпезные мелодраматические балеты на рыцарские и фантастические сюжеты, где танцевальные эпизоды сменялись вокальными ариями и декламацией стихов. Не удивляйтесь, в то время балет еще не был только танцевальным спектаклем.
В царствование Людовика XIV спектакли придворного балета достигли особого великолепия. Людовик сам любил участвовать в балетах, и свое знаменитое прозвище «Король-Солнце» получил после исполнения роли Солнца в «Балете ночи».
В 1661 году он создал Королевскую академию музыки и танца, в которую вошли 13 ведущих танцмейстеров. Их обязанностью стало сохранение танцевальных традиций. Директор академии, королевский учитель танцев Пьер Бошан, определил пять основных позиций классического танца.
Вскоре была открыта Парижская опера, балетмейстером которой был назначен тот же Бошан. Под его началом была сформирована балетная труппа. На первых порах в ее составе были одни мужчины. Женщины на сцене Парижской оперы появились лишь в 1681 году.
В театре ставились оперы-балеты композитора Люлли и комедии-балеты драматурга Мольера. В них поначалу участвовали придворные, а спектакли почти не отличались от дворцовых представлений. Танцевали уже упоминавшиеся медленные менуэты, гавоты и паваны. Маски, тяжелые платья и туфли на высоких каблуках мешали женщинам выполнять сложные движения. Поэтому мужские танцы отличались тогда большей грациозностью и изяществом.
К середине XVIII века балет завоевывал большую популярность в Европе. Все аристократические дворы Европы стремились подражать роскоши французского королевского двора. В городах открывались оперные театры. Многочисленные танцовщики и учителя танцев легко находили себе работу.
Вскоре под влиянием моды женский балетный костюм стал значительно легче и свободнее, под ним угадывались линии тела. Танцовщицы отказались от обуви на каблуке, заменив ее на легкие бескаблучные туфельки. Менее громоздким стал и мужской костюм: панталоны в обтяжку до колен и чулки позволяли разглядеть фигуру танцовщика.
Каждое новшество делало танцы осмысленнее, а танцевальную технику - выше. Постепенно балет отделился от оперы и превратился в самостоятельное искусство.
Хотя французская балетная школа славилась изяществом и пластичностью, ей была свойственна некоторая холодность, формальность исполнения. Поэтому балетмейстеры и артисты искали иные выразительные средства.
В конце XVIII века родилось новое направление в искусстве - романтизм, оказавший сильнейшее влияние на балет. В романтическом балете танцовщица встала на пуанты. Первой это сделала Мария Тальони, полностью изменив прежние представления о балете. В балете «Сильфида» она предстала хрупким существом из потустороннего мира. Успех был ошеломляющий.
В это время появилось множество замечательных балетов, но, к сожалению, романтический балет стал последним периодом расцвета танцевального искусства на Западе. Со второй половины XIX века балет, потеряв свое прежнее значение, превратился в придаток к опере. Лишь в 30-е годы XX века под влиянием русского балета началось возрождение этого вида искусства в Европе.
В России первый балетный спектакль - «Балет об Орфее и Евридике» - поставлен 8 февраля 1673 года при дворе царя Алексея Михайловича. Церемонные и медлительные танцы состояли из смены изящных поз, поклонов и ходов, чередовавшихся с пением и речью. Никакой существенной роли в развитии сценического танца он не сыграл. Это была лишь очередная царская «потеха», привлекавшая своей необычностью и новизной.
Только спустя четверть века, благодаря реформам Петра I, музыка и танец вошли в быт русского общества. В дворянские учебные заведения ввели обязательное обучение танцам. При дворе начали выступать выписанные из-за границы музыканты, оперные артисты и балетные труппы.
В 1738 году открылась первая в России балетная школа, и через три года 12 мальчиков и 12 девочек из дворцовой челяди стали первыми в России профессиональными танцовщиками. Поначалу они выступали в балетах иностранных мастеров в качестве фигурантов (так называли артистов кордебалета), а позже в главных партиях. Замечательный танцовщик того времени Тимофей Бубликов блистал не только в Петербурге, но и в Вене.
В начале XIX века русское балетное искусство достигло творческой зрелости. Русские танцовщицы внесли в танец выразительность и одухотворенность. Очень точно это почувствовав, А. С. Пушкин назвал танец своей современницы Авдотьи Истоминой «душой исполненный полет».
Балет в это время занял привилегированное положение среди других видов театрального искусства. Власти уделяли ему большое внимание, предоставляли государственные субсидии. Московская и петербургская балетная труппы выступали в хорошо оборудованных театрах, а выпускники театральных училищ ежегодно пополняли штат танцовщиков, музыкантов и декораторов.
Артур Сен-Леон
В истории нашего балетного театра часто встречаются фамилии иностранных мастеров, сыгравших немалую роль в развитии русского балета. В первую очередь, это Шарль Дидло, Артур Сен-Леон и Мариус Петипа. Они помогли создать русскую школу балета. Но и талантливые русские артисты давали возможность раскрыться дарованиям своих учителей. Это неизменно привлекало в Москву и Петербург крупнейших хореографов Европы. Нигде в мире они не могли встретить такой большой, талантливой и хорошо обученной труппы, как в России.
В середине XIX века в русскую литературу и искусство пришел реализм. Балетмейстеры лихорадочно, но безрезультатно пытались создать реалистические спектакли. Они не учитывали, что балет - искусство условное и реализм в балете значительно отличается от реализма в живописи и литературе. Начался кризис балетного искусства.
Новый этап в истории русского балета начался, когда великий русский композитор П. Чайковский впервые сочинил музыку для балета. Это было «Лебединое озеро». До этого к балетной музыке серьезно не относились. Она считалась низшим видом музыкального творчества, всего лишь аккомпанементом к танцам.
Благодаря Чайковскому балетная музыка стала серьезным искусством наряду с оперной и симфонической музыкой. Раньше музыка полностью зависела от танца, теперь танцу приходилось подчиняться музыке. Потребовались новые средства выразительности и новый подход к созданию спектакля.
Дальнейшее развитие русского балета связано с именем московского балетмейстера А. Горского, который, отказавшись от устаревших приемов пантомимы, использовал в балетном спектакле приемы современной режиссуры. Придавая большое значение живописному оформлению спектакля, он привлекал к работе лучших художников.
Но подлинный реформатор балетного искусства - Михаил Фокин, восставший против традиционного построения балетного спектакля. Он утверждал, что тема спектакля, его музыка, эпоха, в которую происходит действие, требуют каждый раз иных танцевальных движений, иного рисунка танца. При постановке балета «Египетские ночи» Фокина вдохновляли поэзия В. Брюсова и древнеегипетские рисунки, а образы балета «Петрушка» навеяла ему поэзия А. Блока. В балете «Дафнис и Хлоя» он отказался от танцев на пуантах и в свободных, пластичных движениях оживил античные фрески. Его «Шопениана» возродила атмосферу романтического балета. Фокин писал, что «мечтает создать из балета-забавы балет-драму, из танца - язык понятный, говорящий». И ему это удалось.
Анна Павлова
В 1908 году начались ежегодные выступления артистов русского балета в Париже, организованные театральным деятелем С. П. Дягилевым. Имена танцовщиков из России - Вацлава Нижинского, Тамары Карсавиной, Адольфа Больма - стали известны во всем мире. Но первым в этом ряду стоит имя несравненной Анны Павловой.
Павлова - лиричная, хрупкая, с удлиненными линиями тела, огромными глазами - вызывала в памяти гравюры с изображением романтических балерин. Ее героини передавали чисто русскую мечту о гармоничной, одухотворенной жизни или тоску и грусть о несбывшемся. «Умирающий лебедь», созданный великой балериной Павловой, - поэтический символ русского балета начала XX века.
Именно тогда, под влиянием мастерства русских артистов, встряхнулся и обрел второе дыхание западный балет.
После Октябрьской революции 1917 года многие деятели балетного театра покинули Россию, но, несмотря на это, школа русского балета уцелела. Пафос движения к новой жизни, революционная тематика, а главное простор творческого эксперимента вдохновляли мастеров балета. Перед ними стояла задача: приблизить хореографическое искусство к народу, сделать его более жизненным и доступным.
Так возник жанр драматического балета. Это были спектакли, обычно основанные на сюжетах известных литературных произведений, которые строились по законам драматического спектакля. Содержание в них излагалось с помощью пантомимы и изобразительного танца. В середине XX века драматический балет переживал кризис. Балетмейстеры предпринимали попытки сохранить этот жанр балета, усиливая зрелищность спектаклей с помощью сценических эффектов, но, увы, тщетно.
В конце 1950-х годов наступил перелом. Хореографы и танцовщики нового поколения возродили забытые жанры - одноактный балет, балетную симфонию, хореографическую миниатюру. А с 1970-х годов возникают самостоятельные балетные труппы, независимые от оперно-балетных театров. Их число постоянно увеличивается, среди них появляются студии свободного танца и танца модерн.